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Bloodthirsty est-il un film d’horreur ou plutôt un drame psychologique interpellant sur la pression subie par les jeunes artistes dans le monde de la musique ?

Grey est tourmentée par des hallucinations et des cauchemars dans lesquels elle dévore des animaux sauvages qu’elle éviscère de ses mains. Son médecin, le Dr Swan (interprété par Michael Ironside que l’on ne voit quelques secondes à l’écran), ne parvient pas à trouver des explications à son trouble… Peut-être que Grey subit mal la pression du succès ? En effet, elle est auteur, compositeur et interprète, et sur le devant de la scène depuis le succès de son premier album. Or, il s’agit maintenant pour elle de transformer l’essai avec un second disque attendu au tournant par ses fans et le monde de la musique. Elle est alors contactée par le producteur Vaughn Daniels qui lui propose son aide. Ancien chanteur de boys band, il a été accusé d’un meurtre avant d’être acquitté… Pour la gloire et la richesse, Grey accepte malgré tout de s’associer au producteur suspect. Ainsi, elle se rend avec sa petite amie artiste peintre Charlie au cœur de la forêt canadienne, dans la demeure isolée du producteur de musique, afin de travailler sur son nouvel album, croit-elle…

There’s No Business Like Show Business

Bloodthirsty affiche ses connivences avec le cinéma d’horreur. Ainsi, le lièvre écrasé, la sinistre gouvernante, la maison isolée et les rêves sanglants sont autant de mauvais présages qui auraient dû mettre la puce à l’oreille de la chanteuse et de son amie. Même la pancarte brandie par une auto-stoppeuse indique la direction East Proctor, clin d’oeil au village imaginaire où se trouve la célèbre auberge du Loup-Garou de Londres.

Mais Grey et son amie ne voient pas le danger venir. Comme le petit chaperon rouge, elles sont séduites par le mystérieux Vaughn. Exigeant, celui-ci oblige Grey à se faire violence en travaillant jours et nuits. Elle finit même par arrêter de prendre ses médicaments, se mettre à l’absinthe et manger de la viande. Et en effet, Grey parvient à se surpasser dans son art, au grand dam de Charlie…

Drame psychologique aussi confus que la psyché du protagoniste principal

Si les différents stéréotypes semblent indiquer que l’on est en présence d’un film d’horreur, dans les faits, les caractéristiques du genre se retrouvent finalement reléguées au second plan. On n’est même pas étonné de l’absence, ou presque, d’effets spéciaux. D’ailleurs, les maquillages grossiers trahissent un budget étriqué… Les mauvaises langues diront peut-être aussi l’intérêt des auteurs pour le genre.

En effet, l’horreur n’est ici qu’un prétexte. Celui pour la canadienne Lowell Boland, à l’origine du scénario, de présenter sa musique, mais aussi la pression qui pèse sur les artistes en devenir dans l’industrie musicale. Elle sait de quoi elle parle puisqu’elle a elle-même vécu des débuts difficiles (L’actrice principale Lauren Beatty et Lowell Boland entretiennent d’ailleurs une ressemblance physique qui n’est sans doute pas une coïncidence).

Malheureusement, on ne comprend pas vraiment la source du problème psychologique de Grey. Les contrastes sont évidents (amour saphique délicat contre virilité masculine, impasse contradictoire entre l’envie d’être végétalien et le besoin de l’assouvissement de son instinct animal, en particulier dans un milieu de prédation comme celui de la musique…), mais ils sont traités avec trop de demi-mesures pour attiser la curiosité du spectateur et susciter la réflexion.

Frissons garantis

Cependant, avec des titres comme I Love you to death ou God’s is a fascist, nul doute que les chansons désespérées de Lowell qui a écrit les textes et prêté sa voix, traduisent parfaitement l’humeur psychologique de Grey. Bloodthirsty accorde effectivement une grande attention à la musique. Les murmures mélancoliques de Lowell accompagnés au piano sont les seuls frissons que l’on ressent. Certes, mais ils sont agréables et s’intègrent parfaitement dans le décor sombre de la maison de Vaugh.

Canada – 2020 – Réalisation : Amelia Moses – Distribution : Lauren Beatty, Greg Bryk, Katharine King So, Judith Buchan, Michael Ironside, Jesse Gervais, Jayce McKenzie…

Bloodthirsty

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Lycan

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Le début des années 2000 voit déferler sur les écrans une petite vague de films de loups garous aux budgets étriqués. Entre tous, c’est Dog Soldiers qui tire le mieux son épingle du jeu en osant une combinaison audacieuse avec le film de guerre…

Le soldat Cooper a refusé l’ordre d’un supérieur exigeant l’exécution d’un pauvre chien. En conséquence, il est recalé à un examen qui lui aurait permis de joindre une unité spéciale de l’armée britannique. Dépité, il doit rejoindre son ancienne unité qui s’apprête à participer à un exercice de combat dans les Highlands écossais. Doté en balles à blanc, la troupe composée d’une demi-douzaine de gueules-cassées doit trouver et éliminer une unité des forces spéciales. Lorsqu’ils arrivent sur place, ils découvrent avec surprise que quelqu’un a déjà fait le travail. En effet, tous les soldats ont été brutalement massacrés, à l’exception de leur chef dont l’état nécessite des soins médicaux urgents. C’est alors que la zoologiste Megan fait irruption dans l’histoire. Elle conduit les hommes vers une ferme voisine, rapidement assaillie par une horde de loups garous.

Dès lors, Dog Soldiers évoque beaucoup Evil Dead avec cette cabane perdue au plus profond d’une sinistre et maléfique forêt. Le rythme du film, effréné à partir du moment où la troupe est assiégée, fait également écho au classique de 1981, tout comme l’utilisation généreuse d’effets gore dans un contexte où règne l’humour noir. Le premier film de Neil Marshall ne cache pas ses sources d’inspiration d’ailleurs puisque l’un des protagonistes s’appelle Bruce Campbell comme l’acteur principal du film de Sam Raimi.

Soucieux de prendre de la distance avec les films du début des années 2000 qui ne misaient que sur les effets spéciaux numériques, Neil Marshall fait le choix de l’animatronic pour animer ses monstres. Il fait aussi appel à son imagination pour octroyer aux créatures une certaine élégance en embauchant des danseurs pour les incarner. Le résultat est particulièrement réussi puisque les lycanthropes évoluent avec une grâce qui sied parfaitement à ces créatures merveilleuses. Toujours pour se différencier du tout venant de l’époque et de ses effets artificiels, Neil Marshall installe ses danseurs sur des échasses et réduit la hauteur des décors pour obliger les acteurs à courber le dos en se déplaçant dans la maison. En conséquence les loups garous semblent doté d’une taille démesurée. Ces innovations permettent à Dog Soldiers de nous présenter des loups garous absolument superbes.

Après Dog Soliders, le réalisateur britannique Neil Marhall a continué son ascension avec The Descent (2005) et Doomsday (2008). Désormais plus rare, il œuvre malgré tout encore pour la télévision. Ainsi, en 2015 il met en scène un épisode de la série Hannibal.

Royaume-Uni, Luxembourg – 2014 – Réalisation : Neil Marshall – Distribution : Sean Pertwee, Kevin McKidd, Emma Cleasby…

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En s’inscrivant dans la lignée du Projet Blair Witch, The Monster Project adapte la formule du sous-genre found footage aux monstres classiques. Ainsi, des jeunes vidéastes décident de produire un documentaire dédié aux monstres réels pour faire de l’argent facile sur Youtube. Ils invitent trois d’entre eux (un vampire femelle, un démon possédant le corps d’une adolescente et un loup-garou), à participer à des entretiens dans une maison qui a héberger un culte satanique dans le passé. Les cinéastes en herbes ne le savent pas encore, mais tout est réuni pour que le projet se termine en désastre.

The Monster Project souffre principalement du peu de compassion que l’on ressent pour ses protagonistes principaux. Stéréotypés, superficiels, égos surdimensionnées, médiocres, vénaux, ils roulent en grosse voiture, ne jurent que par Youtube et roulent des mécaniques. Comme ils ne travaillent pas beaucoup, on ne voit pas trop d’où ils tirent leur confort de vie. Les basses histoires de sexe entre ados n’améliorent pas les choses. Des jeunes comme on aimerait en voir moins souvent, en somme.

Sur la forme, le film de Victor Mathieu respecte les codes d’un genre débuté en 1999 avec le film de Daniel Myrick, et d’Eduardo Sánchez si ce n’est la présence de musiques sur les images. Par ailleurs, comme chaque protagoniste dispose de sa caméra, le spectateur ne manque rien du spectacle reproduit depuis plusieurs points de vue (s’il sait faire abstraction du tremblement de la caméra).

Une bonne partie du film se déroule de nuit dans une maison sans électricité, l’image nocturne est en noir et blanc, ou plutôt noir et vert. En conséquence, les zones d’ombres sont très nombreuses. Souvent s’y cachent les monstres pour bondir et générer de nombreux jump scare.

Les monstres justement, sont particulièrement réussis. La jeune femme vampire est surprenante. Provocante, sexy, tatouée sur tout le corps, elle ne passe pas inaperçue. L’adolescente possédée s’inscrit dans la grande tradition des films de fantôme japonais. La transformation faciale lorsque le démon s’empare d’elle est réussie. Le loup-garou, quant à lui, est en vérité un skinwalker issu de la culture navajo. En résumé, il s’agit d’un type de chaman malveillant qui peut se métamorphoser, s’emparer, ou prendre l’apparence d’un animal ou d’une personne : Dans The Monster Project, le sorcier se transforme en loup-garou… La métamorphose en image de synthèse est remarquable même si elle est trop traditionnelle. Le Loup garou qui en résulte ne révolutionne pas non plus le genre. Il est en revanche particulièrement destructeur.

Le spectacle est assuré lors de la seconde partie du film qui se transforme en course poursuite dans la maison. L’histoire perd en crédibilité car on a alors plus l’impression d’assister à un film d’action qu’à un film d’horreur. Par ailleurs, la partie de chasse tend à devenir redondante au point que l’on se dit que le montage aurait gagné à resserrer la durée du film.

Le film se clôt sur une chute qui ne surprendra sans doute pas les spectateurs rodés au genre.

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Flic ivre le jour, loup-garou la nuit… Telle est l’idée farfelue que les auteurs de Wolfcop soumettent aux jurés canadiens du concours Cine-Coup. Contre toute attente, ceux-ci répondent : « chiche ! » et confient un million de dollars canadiens à Lowell Dean afin qu’il puisse accoucher d’une série B trash de 80 minutes, dotée de scènes et de personnages grotesques.

Lou Garou, policier, se réveille comme tous les matins avec la gueule de bois. Comme d’habitude, impossible de se souvenir de ce qui s’est passé la veille, et en particulier comment la jeune femme nue comme un ver qui dort à ses côtés a pu atterrir dans son lit. Mais il n’a pas le temps de se poser de questions, une nouvelle journée à protéger la veuve et l’orphelin commence… Après une intervention qui l’emmène dans la forêt, Lou se réveille de nouveau le lendemain sans savoir ce qui s’est passé la veille mais cette fois-ci, son trou de mémoire n’est pas dû à sa consommation excessive d’alcool… Sur son torse il trouve un pentagramme, et le voilà maintenant assailli de souvenirs incompréhensibles. Très vite, il subit sa première transformation. Avec l’aide de Willie, un excentrique mais son seul ami, Lou se met en quête du responsable de sa nouvelle condition.

Difficile de ne pas penser aux personnages improbables des films trash de la société Troma (The Toxic Avenger, Atomic College…) lorsque Lou Garou vomi le contenu de son estomac devant sa voiture de patrouille avant de se rendre tel un somnambule à son travail, sans jamais s’arrêter en route malgré les innombrables actes répréhensibles dont il est témoin. Le personnage est interprété par Leo Fafard et on comprend pourquoi le réalisateur Lowell Dean a écrit le rôle pour lui. En effet, ce brun ténébreux, poilu et cynique, incarne à merveille ce policier immoral.

L’humour ras-des-pâquerette ne contredit pas la première impression. Parmi les scènes les plus emblématiques, citons celle permettant au spectateur d’assister aux exploits sexuels de « Dirty Hairy » avec une conquête déguisée en petit chaperon rouge. Quant à la transformation de Lou en loup garou, elle est unique en son genre ; la métamorphose intervient alors que le wolfcop est en train de soulager sa vessie. Son corps se transforme alors en une créature immense ; même la taille de son pénis s’adapte à sa nouvelle carrure.

Les effets spéciaux sont bricolés à la main comme il se doit dans un film de la trempe de Wolfcop. Ceux-ci ne sont pas toujours parfaits, mais ne diminue en rien le plaisir que procure le film. Gore, Wolfcop n’est pas non plus avare en démembrements et autres visages déchirés.

Peut-être que le film ne se vautre pas suffisamment dans la bouffonnerie. Ainsi, Wolfcop pourrait laisser le spectateur sur sa faim s’il s’attend à un délire total. La thématique même du film du flic loup-garou n’est, par exemple, pas tant exploitée que cela et les passages durant lesquelles Lou corrige les malfrats une fois transformé en créature invincible sont assez rares. Quoi qu’il en soit, Wolfcop s’avère un produit divertissant, cohérent et honnête, trouvant une balance juste entre action, drame, humour et horreur, tout en mettant cependant l’accent sur ces deux derniers points.

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1665, en, Nouvelle France. Le jeune Joseph Côté (Guillaume Lemay-Thivierge) s’enfuit de prison après avoir été jugé pour vol et libertinage. Pendant sa cavale, il découvre le cadavre d’un prêtre, dont il enfile les vêtements pour s’accaparer l’identité. Ce qu’il ne sait pas, c’est que la personne dont il a dérobé la bure est aussi un célèbre chasseur de loups garous. Au terme d’un malheureux quiproquo, Joseph n’a pas d’autres choix que de jouer son rôle jusqu’au bout.

C’est une trame intéressante, se déroulant de surcroit à une époque et dans une région originale pour un film de loup-garou. Cependant, l’histoire devient très vite prévisible, à l’image du développement du héros qui, voyou dans l’âme (il n’hésite pas à voler un homme de Dieu), révèle finalement son bon fond et sauve un petit village d’une horde de loups garous. Pour aller jusqu’au bout du cliché, en récompense, il séduit même la belle, pourtant destinée à l’un des deux fils du Seigneur local. Sans surprise, il s’avère d’ailleurs que tous les trois constituent la fameuse horde qui terrorise la région.

Depuis Le poil de la Bête, Philippe Gagnon se consacre exclusivement à la réalisation de téléfilms, parfois avec réussite comme le thriller Kate et Linda (2014).

Malgré un budget si étriquée que l’on a parfois l’impression d’avoir affaire à un film amateur, la direction artistique est soignée avec des décors et des costumes au diapason de l’époque. Esthétiquement, l’image est soignée avec des extérieurs bien employés, en particulier lors des séquences nocturnes très jolies.

L’interprétation est solide et les personnages sympathiques. L’absence de violence permet l’installation d’une atmosphère légère. Le film de terreur promis par l’affiche laisse place à une aventure en costumes finissant de faire du Poil de la Bête un film « pur bonheur ». D’ailleurs, le métrage tient plus facilement en haleine le spectateur lors de ses 40 premières minutes durant lesquels aucun loup-garou n’apparaît.

C’est en effet lorsque le métrage décide de se transformer en film d’horreur dans sa deuxième partie que le manque d’imagination et l’absence d’effusion de sang, de violence ou de terreur, empêchent Le poil de la Bête de réellement prendre son envol. Au final, l’humour bon-enfant, les situations manichéennes, et les effets numériques quelconques confèrent une certaine superficialité au Poil de la Bête.

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Terrain de jeux de tueurs psychopathes dans Creep (2004) ou de dangereux serpents dans Des serpents dans l’avion (2006), assiégé de zombies dans Terreur dans le Shanghaï-Express (1972), le train et ses wagons sont désormais les lieux de prédilection des loups garous de Howl.

L’une des qualités du second film de Paul Hyett est certainement de parvenir à maintenir un suspens constant dans un lieu clos. Pour cela, il s’appuie sur une ribambelle de personnages différents et intéressants, donnant au film des aires de film catastrophe des années 70. Le réalisateur n’oublie pas non plus d’exploiter le contraste intéressant constitué entre la forêt inquiétante (immense, sombre, inconnue) et les wagons rassurants (chauffés, éclairés, confortables), n’apportant cependant aucune solution aux protagonistes. Et comme Paul Hyett ne cherche pas à expliquer la présence ou l’origine des loups garous, le spectateur se retrouve face au même dilemme que les protagonistes : Faut-il quitter le wagon ou tenter sa chance dans la forêt ?

Sean Pertwee fait une apparition comme conducteur de train dans Howl. En 2002, il était le héros de Dog Soldiers, dernier film britannique consacré aux loups garous, jusqu’à Howl.

Joe (Ed Speleers, Eragon dans le film du même nom), contrôleur de train, espérait avoir une augmentation… Il n’en sera rien. Déçu, il se met malgré tout au travail, et courageusement, avec en train. C’est ainsi qu’à la station Waterloo, il accueille sur le quai et avec le sourire les passagers qui attendent la dernière correspondance de la soirée. Pour ne pas finir la journée sur une note négative, Joe décide d’inviter sa jolie collègue Ellen (Holly Weston) à boire un verre après le travail. Ses plans sont malheureusement à nouveau contrariés lorsque le train s’arrête brutalement en pleine forêt. Joe doit alors rassurer et calmer des usagers impatients et peu conciliants : un couple âgé, un jeune intellectuel indien, un homme discret, une dame qui ne trouve pas son ticket, un homme d’affaires désagréable… Harcelé, contraint, Joe accepte de transgresser les règles et ouvre les portes. Une décision lourde de conséquences : Qui parmi les passagers seront les premiers à se faire croquer par les loups garous qui hantent la forêt ?

En comparaison, Howl s’avère largement plus léger et cible clairement un public plus large que le surprenant et dérangeant The Seasoning House (2012), premier film de Paul Hyett, Howl est en effet un film agréable et peu exigeant pour le spectateur. L’humour s’invite même à la fête avec ces personnages souvent agaçants dont Joe doit gérer tant bien que mal les propositions contre-productives. À ce titre, le film s’essaie aussi à une petite critique sociale en démontrant l’égoïsme, l’intransigeance et l’impatience qui habitent les usagers qui se comportent comme des clients. Injustes, ils reportent toute leur frustration sur Joe, simple employé, tout en bas de l’échelle d’une entreprise exploitant un réseau ferroviaire public.

En ce qui concerne les effets-spéciaux, ils sont à la hauteur de ce que l’on peut attendre de Paul Hyett. Ici réalisateur, Paul Hyett a en effet précédemment travaillé sur les trucages de The Descent (2005) et Doomsday (2008.). En recourant très peu au numérique, il nous livre des loups garous différents de ceux que l’on a pu voir dans d’autres films. Chacun dispose en effet de maquillages lui permettant de conserver ses particularités humaines. On regrette en revanche l’absence de transformations à l’écran.

Comme le film ne perd pas de temps à expliquer l’existence et la motivation des loups garous, Howl prend vite l’allure de montagnes russes. Le périple qui ne connaît aucune pause débute d’ailleurs dès la fin de la première demi-heure avec l’apparition, en grande pompe, du premier lycanthrope. L’action cependant ne nuit pas au suspens : en se concentrant sur les nombreux personnages, le film prend même parfois les allures d’un succédané des Dix petits nègres d’Agatha Christie.

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Le dernier plan de Split situé en cours de générique et dans lequel apparaît David Dunn, le personnage interprété par Bruce Willis dans Incassable en 2000, laisse à penser que Split est un film de super héros. Il serait néanmoins dommage de ne pas y déceler aussi les éléments caractéristiques d’un film de loup-garou…

Appréciée, la lycéenne Claire fête avec ses amis et ses parents son anniversaire dans un fast-food. L’introvertie Casey est également de la partie, mais uniquement parce qu’elle aurait été la seule de la classe à ne pas avoir été invitée.

Lorsque le père de Claire décide de ramener chez elles Claire, Casey et Marcia, une autre amie de sa fille, il est attaqué sur le parking. Son agresseur, un jeune homme, se met alors au volant, étourdit les filles et les emmène vers une destination inconnue…

Toutes les trois se réveillent dans une chambre et découvrent que leur ravisseur souffre de personnalités multiples. L’une d’elle fait de lui un être surhumain…

En 2016, après 10 Cloverfield Lane et de Don’t Breathe, Split est le troisième film dans lequel des jeunes sont séquestrés dans une cave.

Selon Split, l’humanité se divise en deux camps… Dans le premier, les moutons servent de garde-manger. Dans le second, les loups chassent parmi le premier groupe. Cette sélection ne se fait pas naturellement. En effet, tout le monde naît mouton. Pour devenir loup, il faut d’abord subir un traumatisme. Ensuite, puiser dans cette souffrance permet de ne plus faire partie du gibier.

Nées de parents riches et aimants, les deux amies d’infortune de Casey n’ont jamais connu de traumatisme et font donc partie des proies. Casey, quant à elle, a bien subi un traumatisme d’enfance. Elle peut donc aspirer au statut de prédateur. Cependant, parviendra-t-elle à transcender sa condition de mouton ?

Kevin, quant à lui, est parvenu à ce stade « supérieur ». Lorsque cette mutation s’opère, Kevin change physiquement d’aspect et il perd le contrôle de sa volonté. La créature fait alors son apparition, et dans le film, elle porte le nom de « la Bête ». Et si la Bête attrape Casey, il y a tout lieu de croire qu’elle lui transmettra sa malédiction, ou plutôt ses facultés.

Anya Taylor-Joy s’est fait remarquer avec The Witch dans laquelle sa famille est tourmentée par une sorcière dans la Nouvelle-Angleterre du 17ème siècle.

Si les légendes sont fondées sur une part de réalité, un lycanthrope est peut-être un individu qui est parvenu à développer ses aptitudes physiques au-delà du commun, tout comme Kevin.

Super héros ou loup-garou, le personnage de Kevin est bien l’attraction principale du nouveau film de M. Night Shyamalan qui suscite de nouveau l’attention depuis The Visit (2015). Avec Split, il confirme qu’il peut encore engendrer des dollars : 278 millions de dollars de recettes pour un investissement de 9 millions. Ce budget limité se voit d‘ailleurs à l’écran tant les décors de la cave paraissent quelconques. Quant à la façon de procéder de M. Night Shyamalan, elle est la même depuis toujours avec son suspense qui monte en puissance avant de libérer le spectateur lors d’un climax attendu. Cette façon de procéder dont a coutume M. Night Shyamalan peut ressembler à un gadget et faire passer le film pour une coquille vide.

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Lycan

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Avec When Animals Dream, Jonas Alexander Arnby emprunte à la mythologie du loup-garou pour mettre en image le récit initiatique d’une jeune fille qui tente de s’extirper de son quotidien insignifiant.

Marie vit avec ses parents dans un village en bord de mer au Nord du Danemark. Pour la jeune fille, la vie n’a rien d’exaltant. L’ambiance dans la bourgade est triste, sordide. Tout est gris, le ciel, le paysage, les gens qui travaillent presque tous dans la conserverie de poissons locale.

Mais Marie est différente : elle est indépendante et elle étouffe.

Le film a été présenté à la semaine de la critique à Cannes en 2014

Sa mère était comme elle. Mais maintenant elle végète à la maison, dans un fauteuil roulant. Petit à petit, Marie se rend compte qu’elle est en train d’hériter de sa maladie, et aussi de sa condition dans la société.

Elle décide alors de refuser l’ordre imposé par les hommes du village (père, pasteur, médecin, patron). Mais plus elle résiste, plus la pression qu’ils exercent sur elle est forte. Leurs menaces finissent par engendrer un changement dans le corps de Marie qui doit se défendre : des poils poussent à des endroits incongrus, du sang coule sous ses ongles…

Malheureusement, ce changement n’engendre que peur et intolérance chez les hommes. L’absence de bienveillance, l’ignorance et le sectarisme nourrissent la violence chez la louve-garou qui doit devenir menaçante pour se défendre.

Marie trouvera-t-elle l’apaisement chez Daniel, le seul homme qui s‘intéresse réellement à sa différence ?

Avec ce premier long métrage, Jonas Alexander Arnby démontre ses qualités de créateur d’ambiance. La nature, la lumière, les gens, la bande-son qui évoque le vent balayant constamment la côte, tout évoque une atmosphère triste, grise, tendue, effrayante, un monde sans mouvement ni espoir de changement dans lequel Marie refuse de se laisser enliser. Finalement, la transformation de Marie s’avère bien peu inquiétante comparée au quotidien sans saveur auquel elle tente de se soustraire.

When Animals Dream est le premier film de Jonas Alexander Arnby qui a commencé sa carrière en tournant des clips et des publicités.

Rien ne rattache le loup-garou de When Animals Dream au folklore habituel. Ici, il est victime d’une malédiction sociale. En conséquence, la transformation, considérée comme catastrophique pour l’entourage de Marie, se révèle être pour elle une libération. La transformation de Marie débutant à la puberté, on peut imaginer que le film évoque la découverte de la sexualité comme outil d’émancipation.

La transformation de Marie en lycanthrope ne mise pas sur les effets choc ni même sur les maquillages qui se limitent à des yeux jaunes et à de longs poils sur les joues. Les séquences montrant Marie lâcher sa bestialité sur les hommes s’avèrent malgré tout violentes et effrayantes. Cependant, la modération dans les effets est tout à fait pertinente pour ce film intimiste.

Lycan

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